Aumenta tus ventas y conquista las redes sociales

En un mundo cada vez más visual, con las redes sociales y el crecimiento del ecommerce cobra más importancia la fotografía publicitaria y es vital presentar imágenes, pero no cualquier imagen, debe ser una precisa, atractiva, que capte la atención de tu público objetivo. Por lo tanto, debes poner especial cuidado en las imágenes a través de las cuales piensas vender o presentar tu producto.

En otros tiempos una buena fotografía era suficiente, en la actualidad debes conseguir captar completamente la atención del consumidor y convencerle de obtener tu producto.

Seguramente estés pensando en aquella frase de “una imagen vende más que mil palabras”  y puede ser, pero esta afirmación no es del todo cierta hoy en día que el mundo se ha vuelto más visual y competitivo en las ventas; aunque no cabe duda de que es la primera impresión, a partir de ella comenzaremos a conectarnos, conocernos y entendernos. 

Sin embargo, el éxito de las marcas en redes sociales no viene simplemente por publicar buenas imágenes al tun tun, hay detrás un trabajo previo, una estrategia y planificación de contenido para saber dónde, cómo, cuándo y por qué, además de un cuidadoso copywriting que lleve al éxito con broche de oro a tu objetivo: ¡ Vender !  

Para la fotografía publicitaria de tu marca, siempre es bueno contar con un fotógrafo profesional, de manera que puedas obtener imágenes únicas y a tu medida, sin embargo, también es válido, sobre todo si eres una pequeña empresa o estás comenzando un emprendimiento, recurrir a los distintos bancos de imágenes disponibles en internet, donde puedes adquirir imágenes realizadas por profesionales a muy bajo costo e inclusive gratis (con atribución) en algunos casos. 

Pero, si hablamos de fotografía de producto, si o si, tus imágenes deben ser propias, así que bien puedes empezar a aprender sobre técnicas fotográficas o recurrir a un profesional en el área.

Como sea, debes recordar siempre que una buena fotografía de producto debe:

• Captar la atención del consumidor  
• Despertar interés por tu producto.
• Representar verazmente y de modo atractivo el objeto o producto
• Convencer al consumidor de obtenerlo y hacer irresistible su compra.

Igualmente ten siempre en cuenta las claves básicas para una buena fotografía de producto:

• La iluminación, tal vez lo más importante a tener en cuenta. La luz natural es la más atractiva, sin embargo puede cambiar muy rápido y por instantes, por esto muchos suelen recurrir a la luz artificial
• Prepara el producto, es vital que se encuentre en perfecto estado, si es un alimento debe ser apetecible, si es un objeto debe estar libre de desperfectos, huellas o cualquier suciedad.
• Cuida el fondo y la composición
• Prueba distintos ángulos para ver cuál resulta más atractivo para tu producto, procurando disparar desde la misma altura del objeto retratado.

Recuerda que entre mejor prepares tu sesión fotográfica menos retoques deberás realizar luego en la edición y la imagen se verá más natural.

Nunca pases por alto la calidad de la imagen, no publiques por publicar, ten en cuenta que a mejor calidad de imagen, mayores posibilidades de venta. Por ello te insisto, si no tienes los conocimientos adecuados, recurre a alguien capacitado en el tema, no te limítes,  es realmente una inversión que ayudará a posicionar tu marca y mejorar tus ventas.

¿Quieres romperla con tus ventas? entonces acompaña tu imagen con un buen Copywriting como te explicamos en este otro artículo. 

Si quieres saber más y recibir algunos consejos sobre la fotografía de producto, suscríbete y síguenos para que seas de los primeros en conocer la guía básica que estaremos publicando próximamente.

Por: Daniela R. - @pipacreativa

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Logos, tipos, diferencias y cuál necesitas?

Todos los días te encuentras rodeado de productos, anuncios y diversos elementos de comunicación que contienen algún tipo de logo, pero, ¿Qué es un logo? El Logo, es la forma abreviada con que frecuentemente la gente se refiere a los logotipos,  esos símbolos  conformados por imágenes y/o letras que sirven para identificar un producto, empresa o generalmente una marca, pero ¿Es esto correcto?

Lo cierto es que existe mucha confusión al respecto y los diseñadores gráficos muchas veces no ayudamos a esclarecer el tema por utilizar un lenguaje que la mayoría pueda entender, es por ello que nuevamente venimos a arrojar un poco de luz a esa oscuridad que el desconocimiento genera. Así que si ya conoces del tema, puedes refrescar conocimientos, si estudias diseño gráfico, tal vez puedas ampliarlos y si eres un emprendedor y tu proyecto está a punto de despegar, esto te vendrá genial para entenderte un poco mejor con el diseñador que se encargue de desarrollar tu logo.

Comencemos por aclarar que marca y logo, no es lo mismo. El segundo es un elemento clave, algo así como el protagonista  de la marca pero no es el único, es lo que representa a una empresa u organismo, bien sea como logotipo, símbolo, sigla, etc. Entonces continuemos adentrándonos en el tema...

1. Logotipo

Deriva del griego logos que significa “palabra” y de typos “señal, imagen o escritura en forma de impronta”. Es decir, es la representación mediante signos tipográficos; no se refiere a símbolos, íconos o similares, solo palabras y letras dispuestas de manera que favorezca su pregnancia y sea memorable.

2. Isotipo - Símbolo

Iso proviene del griego que significa “igual” y typos “señal, imagen o escritura en forma de impronta”, por lo que el isotipo busca representar un “igual” de manera gráfica o sintetizada. Sin embargo, aunque habitualmente en el mundo del diseño se utilice Isotipo, esta no se recoge en el diccionario de la RAE, por lo que lo correcto en castellano debería ser “símbolo” (del latín simbŏlum y este del griego sýmbolos) que es el elemento que por asociación o convención representa una idea; es decir, que el símbolo o Isotipo es la representación gráfica, icono o dibujo, que busca sintetizar el significado, concepto y valor de la marca.   

El isotipo o símbolo se puede clasificar en:

2.1 Pictograma

Del latín pictus “pintado” y gramma “letra”. Según la RAE: signo de la escritura de figuras o símbolos. Trata de expresar o sintetizar una palabra en una imagen; así como en la antigüedad eran una forma de escritura (jeroglíficos) hoy en día se utiliza en la señalización o como parte figurativa de una marca. El Pictograma puede ser:

2.1.1 Figurativo

Es aquel que busca una representación reconocible de la realidad, normalmente son formas que se asocien o reconozcan fácilmente objetos, animales, frutas, etc.

2.1.2 Abstracto

Son aquellos donde no se distingue a simple vista algún elemento de la realidad, suelen dirigirse más a lo subliminal, destacando sensaciones mediante formas, colores y composiciones.

2.2 Monograma

Proviene del griego monos que significa “único” y gramma  “letra”. Según la RAE: “cifra que como abreviatura se emplea en sellos y marcas”. Es decir, que se trata de una variante del logotipo, donde se emplean iniciales enlazadas (cifradas) para formar un signo fundido en una unidad.

2.3 Anagrama

Del griego ana “de nuevo” y gramma “letra” se refiere a la representación logotipada de una palabra resultante de la transposición de letras o siglas de otra palabra o frase; es decir una nueva palabra que se lee como tal y que se ha originado de letras o siglas de otra. Utiliza comúnmente contracciones que facilitan la denominación cuando ésta es muy extensa.

2.4 Sigla

En ocasiones se confunde con el anagrama o el monograma, pero se diferencia del primero, en que no cuenta con articulación fonética, es decir que se crea con las iniciales y se lee letra a letra, no como una nueva palabra en si. A su vez, se diferencia del monograma en que las letras no se integran en una unidad para crear un símbolo único, sino que las letras están bien diferenciadas de manera independiente.

2.5 Inicial

Del latin initialis, relacionado al comienzo u origen de las cosas. Es decir que acá nos referimos a la primera letra de una palabra, nombre o empresa, la cual utilizamos para sintetizar .

2.6 Firma

Aunque no es una expresión muy apropiada dentro del diseño gráfico, pues en el mejor de los casos la firma se digitaliza, se vectoriza, y pule, con lo que acaba siendo un logotipo; es un término que se refiere al nombre, apellido, título o distintivo que una persona escribe de propia mano, por lo que se utiliza normalmente cuando se quiere vincular a la imagen de una persona en concreto.

3. Isologo - Logosímbolo

Aquí el texto y el icono o símbolo se funden, se integran de manera tal que no pueden separarse, estaría la imagen dentro del texto o el texto dentro de la imagen en una composición indivisible

4. Imagotipo

Cuenta igualmente con imagen y texto, pero en este caso están separados, normalmente el icono arriba y el texto abajo, o el icono a la izquierda del texto; lo cierto es  tienen mayor libertad para formar distintas composiciones e inclusive funcionan estando juntos o utilizando uno solo de los dos elementos, según su aplicación. 

Ahora que sabes todo esto, posiblemente te preguntes ¿Cuál necesito?. Pues, depende. En principio puede que tengas alguna preferencia por uno u otro, pero debes recordar que el símbolo o logotipo es el protagonista, la imagen gráfica principal de algo más amplio como lo es una marca. Por ello te sugiero encargar esto a un profesional, que pueda ayudarte con el branding y el desarrollo adecuado de un símbolo que logre captar, recoger y transmitir todo lo que tu marca significa.

Por: Daniela R. - @pipacreativa

[ Foto: Pipa Creativa - @pipacreativa ]

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 MITOS DEL DISEÑO GRÁFICO

**Advertencia: El siguiente artículo puede herir susceptibilidades. Si eres sensible no continúes leyendo, sin embargo si eres diseñador gráfico ó estudias para serlo, puedes encontrarlo interesante, y si no eres ninguno de los dos igualmente te servirá para entender un poco mejor lo que rodea el mundo del diseño gráfico. De cualquier modo, si te puede la curiosidad y sigues leyendo, podrás dejar tu descargo al respecto en los comentarios. Leer bajo su responsabilidad.** 

A pesar de ser un área que abarca muchos espacios en el día a día de todos, suele haber un desconocimiento generalizado sobre el trabajo que realiza un diseñador gráfico, lo cual ha alimentado una gran cantidad de mitos en torno a esta profesión.

Para poner fin a tantos mitos y leyendas urbanas, arrojaremos un poco de luz a esa oscuridad enigmática que el desconocimiento genera.

Mitos Generales:

Cualquiera puede diseñar

Si y no, si bien no se requiere de un coeficiente específico, ni estamos hablando de ingeniería para la NASA, es necesario tener una serie de conocimientos necesarios más allá de saber manejar programas de diseño, lo mismo que tener una cámara o tomar lindas fotos con tu Smartphone en automático, no te convierte en fotógrafo profesional. Se requiere de mucha formación y conocimiento de fundamentos básicos, geometría, diagramación, conceptualización, psicología del color, elementos de expresión, vectorización, tipografías, composición, fotografía, serigrafía, litografía, y más…

Diseñar es fácil

Si piensas que el mecánico solo aprieta tuercas, pues, normal que creas que el diseño es fácil, pero lo cierto es que un buen diseño requiere de muchas horas de trabajo, donde aplicaremos los conocimientos listados en el punto anterior luego de investigar, bocetar, conceptualizar y crear personalidades, tipografías y detalles.

Todos los diseñadores saben dibujar

No es necesario, para eso están los programas de diseño asistido por computadoras, sin embargo, ayuda bastante para facilitar la vectorización de un boceto o para realizar una ilustración.

Todos los diseñadores tienen buen gusto

Completamente falso, si bien cada quien tiene su estilo y con la famosa frase de “ entre gustos y colores...”, también encontramos aquellos que no consiguen el límite entre elegante y corriente, minimalismo y sobrecargado, y aquellos que le atiborran de conceptos olvidando que en el diseño menos es más.

 

Mitos del Cliente:

Los diseñadores leen la mente

No, lamentablemente no es así, si así fuese ganaríamos más dinero como pitonisos. Así que procura como cliente dar la mayor cantidad de información, respuestas claras sobre lo que tienes en mente, no esperes a que el diseñador dedique tiempo y esfuerzo para realizar un sinfín de cambios luego de presentar el trabajo final.

Diseñar es rápido

Este mito suele ir asociado a la creencia de que es fácil diseñar, pero como ya aclaramos ese punto, debería de entenderse en consecuencia que tampoco es “rápido”, requiere horas de trabajo, días, inclusive hasta meses enteros según el proyecto. Recuerda que es mejor  esperar por buenos resultados y calidad del diseño.

El Diseñador es todero

Si bien un buen diseñador debe tener una buena formación en diversas áreas, incluyendo fotografía y tecnología, no significa que realicemos también el trabajo de un fotógrafo, de soporte informático, de programador web, etc., que ¿pueden existir algunos casos? Pues claro, y es un agregado positivo, pero no es la norma, del mismo modo que la administración y la contabilidad están asociadas y pueden existir profesionales con ambas titulaciones, sin embargo, esto no significa que todos los profesionales de un área deban realizar el trabajo del otro. 

El diseño gráfico es barato / caro

Este es el mito más loco de todos, ya que se divide prácticamente a partes iguales entre los que piensan que es barato y los que creen que es muy costoso.

Al final como sucede en todos los ámbitos, los extremos se juntan y  suelen decir frases como “es algo simple”, “es algo pequeño” … No, el desarrollo de un avatar para redes sociales por ejemplo, o de un logo minimalista no es sinónimo de abaratamiento, no se convierte por ello en un trabajo simple y barato, sigue llevando detrás un trabajo creativo y analítico.  

Del mismo modo que nadie más que tú pone el precio a tus productos o servicios, ocurre con el diseño. Es tu decisión qué prefieres ¿Rápido, barato o bien diseñado?

Mitos del Diseñador Gráfico:

Helvetica es la mejor tipografía para un diseño

Se podría decir que es la contraparte de la tan criticada Comic Sans. Y aunque hoy en día cuenta con muchos detractores, es innegable que esta tipografía ofrece amplias posibilidades para cualquier contexto y ha sido la más utilizada por lo menos en las décadas pasadas.  Sin embargo, para otros es una tipografía genérica y falta de carácter, aunque se encuentre presente en miles de marcas reconocidas y de ella se hayan derivado otras tipografías.

Solo eres un buen diseñador si utilizas la suite Adobe

El peor de los mitos que responde simplemente a la ignorancia; Voltaire decía que “cuando el fanatismo ha gangrenado el cerebro, la enfermedad es incurable”.  Lo realmente lamentable es que a pesar del daño que el fanatismo ha causado a lo largo de la historia, aún la gente cae en este error.

Antes de existir las computadoras ya existía el diseño gráfico, y aquellos diseñadores de seguro eran mucho mejores que algunos chapuceros de hoy que solo porque saben manejar la suite adobe ya se hacen llamar diseñador.

El fanatismo es malo en cualquier ámbito, el diseñador debe mantenerse informado y actualizado en muchos aspectos. La mayoría de los fanáticos de Adobe, jamás han utilizado otra herramienta o en el mejor de los casos probaron una vez alguna versión  de hace 10 años de otro programa y desde su montículo de ignorancia atacan a otros profesionales que trabajen con otra plataforma, desconociendo por completo el funcionamiento de ésta.

Existen muchas áreas y campos del diseño gráfico, muchos estilos y muchas formas de trabajo, con lo cual es estúpido pensar que todos deban utilizar lo mismo que tú para trabajar, ya que hay opciones iguales o mejores para determinados trabajos y no pertenecen a la endiosada Suite de Adobe.

Deja el fanatísmo que no te van a dar una comisión por batallar en pro o en contra de ninguna aplicación; después de todo esos programas son solo herramientas de trabajo como un lápiz y un papel, la genialidad del trabajo dependerá de la capacidad y creatividad del diseñador, no de un programa de diseño.

Soy un Genio Artístico

Más que un mito, lamentablemente es una realidad común. Algunos diseñadores deben atar en corto su ego y trabajar en sus habilidades blandas. Pero no se puede tomar como algo generalizado, la mayoría no somos así, y es una idea falsa que ha causado mucho daño a la reputación de los diseñadores gráficos.

Un buen diseñador nace, no se hace

Lamento decirte que No, no eres ninguna persona iluminada con alguna sensibilidad especial o habilidad divina. El diseño se aprende al igual que se aprende a leer, sumar y restar. Por ello se requiere una formación, que del mismo modo que en otras carreras debe ser constante para mantenerte actualizado; con la práctica y un cúmulo de conocimientos se adquieren las habilidades y el talento. 

**Nota: si llegaste hasta aquí ya sabemos que te pudo la curiosidad. Si quieres comentar algo, siéntete libre de descargarte en los comentarios.

Por: Daniela R. - @pipacreativa

[ Foto: Theme Photos ] 

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